Nueve mejores filmes del año 2017

  Antes de comenzar me gustaría hacer seis menciones honoríficas. Películas que no entran en mi lista de nueve mejores pero que siento que, aun a pesar de no ser analizadas, merecen ser mencionadas. No podría dejarlas afuera sin reconocimiento, tanto por razones subjetivas (los puestos catorce y quince) como objetivas (los demás puestos):

15- The Void (Steven Kostanski, Jeremy Gillespie) (Canadá)
Un placer culposo que no podía dejar afuera. En sí la película carece de mucho sentido, pero, basada en el terror de Lovecraft y Carpenter, logra un excelente homenaje. Es muy entretenida, una película que podrá no ser arte, podrá no ser la más inteligente, pero sí que consta de amor por el cine; y, en especial, el de terror.

14- T2 Trainspotting (Danny Boyle) (Reino Unido)
Si bien es común para una secuela quedar a la sombra de la original (aunque haya excepciones), T2 Trainspotting no queda tan a la sombra. Por sí sola es una película sólida que, pese a vivir de la original, la disfruté mucho y entablé aún más relación con los personajes. Es una película con mucho corazón, se siente el reencuentro con los personajes que quedaron atrás hace veintiún años.

13- 120 Battements Par Minute (Robin Campillo) (Francia)
Las películas que tratan sobre las problemáticas que alcanzan hasta el hoy en día presentan una debilidad para quien escribe esto. Esta se trata sobre el VIH, la educación sexual, la homosexualidad (y todo el colectivo LGTBQI+), presentando activistas muy simpáticos con los que me fue imposible no entablar una relación y tener mucho cariño a los personajes. Sin duda una película que me llegó bastante, muy bonita y recomendable si se es open minded.

12- Lucky (John Carroll Lynch) (Estados Unidos)
El último trabajo de Harry Dean Stanton previo a su muerte es sobre la vejez, parece adrede. Lucky es una película sobre eso: llegar a la ancianidad, tener una perfecta salud, y lidiar con ello. Viviendo en un mundo que ya no es el mismo en el que te criaste por muchos, muchos años, y pareciendo que nunca el protagonista lo va a dejar. Parece casi irónico y metalingüistico. De todas formas, un excelente filme con un protagonista más que carismático y entrañable. ¡Y aparece David Lynch!

11- It comes at night (Trey Edward Shults) (Estados Unidos)
Una de las películas más creativas en materia de cine de terror. Una invasión zombie, un virus, un algo que viene de noche que no se anuncia lo que es; pero centrándose en las relaciones humanas. Los detalles con la relación de aspecto me parecieron interesantes, y el final me convenció, pese a ser bastante polémico entre las personas que ven cine. No es una película que agrade a todos, menos si se consume el cine comercial de terror actual, pues no es de ese estilo. Es una película lenta, una de las mejores de terror que he visto.

10- The Killing of a Sacred Deer (Yorgos Lanthimos) (Reino Unido / Irlanda / Estados Unidos)
Y sí, para mí esta es una película de terror, pues el antagonista me dio mucho, mucho miedo. Fue la primera película de Yorgos Lanthimos que vi y me dejó incómodo, estupefacto, con ganas de vomitar pero, a la vez, satisfecho. La atmósfera, gracias a la fotografía (una gran variedad de planos cenitales) y la música, que genera es muy envolvente y te da esa sensación de terror. Algunos argumentan que el elemento fantástico de esta película no tiene mucho sentido, pues nunca se aclara el por qué, pero, a mi parecer, no es necesario, ya que la misma historia no se basa en los por qués, sino en las consecuencias y en cómo actúan los personajes en relación a lo sucedido. Es el estilo de Lanthimos, los personajes no parecen actuar como personas normales. En síntesis, es sobre un chico que se obsesiona con un doctor y, al no hacer lo que él quiere, lo maldice, remitiendo el título a dicha maldición, pues tiene que matar a un miembro de su familia, sino, a la larga, todos morirán si él no se decide.

9- A Dark Song (Laim Gavin) (Irlanda)

  A Dark Song es una película de terror la cual trata sobre una mujer que, con el fin de realizar un conjuro, contrata a un hombre, especialista en los mismos, para que la guíe y lo realice junto a ella. A diferencia de lo que se acostumbra en una película de terror, en donde el susodicho conjuro dura una pequeña parte (en ocasiones, solo el primer acto o el inicio) de la trama, esta película es sobre la realización de un rito. El ritual ocultista se desarrolla durante la hora y cuarenta minutos de película; siendo este la trama principal y no un simple disparador. 

  Puede ser que esta película figure en muchas páginas (un ejemplo es IMDb) como estrenada en el año 2016; pero ese estreno fue únicamente en festivales. A Dark Song fue lanzada en los cines en el año 2017. La película no tuvo mucho alcance, a pesar de haberse estrenado en muchos festivales, el filme solo se estrenó en algunos cines de Japón (en 2018), Perú, Estados Unidos, Irlanda y Reino Unido (2017). Se estrenó en ese mismo año, en plataformas de streaming online, en Polonia, Bélgica y Holanda. 

  Cabe destacar que la forma de plantear el horror no es la misma que los cines comerciales ponen en escena. Los screamers, si es que los hay, son mínimos o hasta nulos. La película es lenta y tiene otro enfoque más que en el susto momentáneo. A Dark Song se enfoca en los personajes, en sus motivaciones y en sus constantes choques y conflictos entre ambos. El terror no se deja de lado en ningún momento, el ritual toma tiempo y está siempre presente en la trama de la película. Solo que es un horror distinto, con un timing distinto a lo comercial. 

  Quizás el único punto negativo de la película sea el final. Es bastante ambivalente, admito eso, pues depende de cada uno. Yo estoy en una posición intermedia. No lo amé, me costó terminar de digerirlo y poderlo apreciar; pero habrán otros que sentirán el choque y lo detestarán. Es un final peculiar, si se me permite el término y con el afán de no arruinar el desarrollo y desenlace de la película, que no puede ser recibido de buena manera por todo el público.

   Para terminar, es una de mis películas de terror favoritas. Creo firmemente que en el under se está haciendo un hermoso avance en materia de cine de horror. Pues películas como The Babadook y The VVtich: A New-England Folktale son prueba de que el terror va más allá de las películas comerciales. Una que destaco y que, a pesar de ser de este año, por limitaciones de espacio no entró en esta lista de nueve mejores películas, es It comes at night; una excelente cinta de terror. 

 8- Zama (Lucrecia Martel) (Argentina)

  Zama es una película histórica que transcurre durante la época colonial argentina. Está inspirada en el libro de Antonio Di Benedetto que cuenta el periodo en el que el protagonista, Don Diego de Zama, espera en Asunción (Paraguay) ser transferido a Buenos Aires (Argentina).
  Cabe que destaque el hecho de no ser fan de este tipo de películas históricas. Me refiero a las que tratan de una época colonial -de cualquier país- (The New World de Terrence Malick, por dar un ejemplo de película colonial) tienden a parecerme aburridas. La anteriormente mencionada de Malick es una excepción a la regla. Zama también lo es.
  Para sintetizar una sinopsis, trata sobre los años que Don Diego de Zama pasa estancado en Asunción sin recibir respuesta de la Corona, por carta, tras su petición de ser transferido de nuevo a Buenos Aires. Don Diego termina siendo víctima de la misma burocracia para la cual obra.
  A pesar de haber sido un estreno no solo nacional, pues la fama de Lucrecia Martel en el circuito de la producción fílmica ha llevado a la película a estar presente en los cines de muchos países y en decenas de festivales, todavía es muy difícil encontrarla para ver en internet.

  
  La película no tuvo buena recepción por el público general argentino. La crítica, en cambio, le ha dado buenos puntajes: un 89 en Metascore y un 95% en Rotten Tomatoes. Mientras que el público le ha dado puntajes entre 6 y 5 de 10; y un 54% en Metascore. Tal mala recepción puede tener una explicación: No es una película para cualquiera.
  Quizás suene algo snob esa frase pero en cierto punto es entendible. No cualquiera puede soportar un drama histórico lento sin aburrirse. La historia se desarrolla a fuego bastante, bastante lento y toma un buen rato en encaminar un ritmo constante. No es una película fácilmente digerible para todas las audiencias y es por eso que traje a colación el tema de los puntajes en páginas como IMDb, Letterboxd, Filmaffinity o Rotten Tomatoes: no soy ley. 
  La película me pareció excelente, de lo mejor que he visto de cine argentino y, pese a solo haber visto una película más de Martel aparte de Zama, siento que este es su mejor filme. El tramo final, aproximadamente los últimos treinta o cuarenta minutos de película, me parecieron increíbles. No diría que es surrealismo pero tiene un tono muy distinto a todo lo anterior que se vio que te hace sentir como si estuviese fuera de lo real. Es una última media hora, un tercer acto de película que me atrapó más de lo que ya me había atrapado de por sí el resto de la cinta. Un desenlace crudo con un nuevo personaje, a pesar de ya haber sido nombrado a lo largo del film, que le agrega un hermoso toque que refresca ese último tramo. 
  Siento que el cine argentino está yendo por un excelente camino. Nos siguen sobrando películas del estilo El Fútbol o Yo, pero del otro lado, se está haciendo un trabajo excelente. No soy quién para hacer juicio de valor pues aun conozco poco y nada del cine de mi país; no me he adentrado lo suficiente. Pero por lo que conozco, por las películas que vi y por lo que estoy viviendo, siento que han estado habiendo estrenos bastante notables. (Animal, El Ángel, El Clan, La Cordillera).

 7- Phantom Thread (Paul Thomas Anderson) (Estados Unidos)

  Phantom thread es un drama romántico entre Reynolds Woodcock, un diseñador de vestidos, y Alma, la mujer que él toma como su musa. El hombre consta de mucho dinero y vive en una mansión con la susodicha mujer y su hermana. Allí en su taller trabajan las mujeres y hombres que diseñan los vestidos que él idea. Ambientada en 1950, en Reino Unido, Reynolds y su hermana Cyril son quienes manufacturan los vestidos para la realeza, las estrellas de cine y las clases aristocráticas del país.
 Estuvo nominada a cinco Premios Oscar y ganó el sexto, por diseño de vestuario. La nominación a los premios le aseguró a la película un estreno mundial. Fue muy bien recibida, a pesar de no haber ganado más que premios técnicos en la mayoría de sus nominaciones.

  Phantom thread es un muy digno último trabajo de Daniel Day-Lewis como actor. Su personaje está muy bien construido. Tiene muchas características notables como lo que borda en secreto en los vestidos que confecciona, las exigencias sobre lo que puede y lo que no puede comer y el absoluto silencio que necesita a la hora de la confección. Todas esas manías afectan y, a la vez, aportan y construyen al personaje de Alma por sobre cómo reacciona y se rebusca una forma de lidiar con aquello. 
  Es un drama del estilo de Paul Thomas Anderson, quiero decir, es un drama grande. No es una película corta, tiene actores y actrices de alto nivel dando lo máximo de sus actuaciones, con personajes con muchas matices y facetas. La película es lenta, no tanto como Zama pero puede notarse de esa forma; por eso lo destaco. Aunque, insisto, no es algo que me parezca un punto negativo para la película.
  Si es este verdaderamente el último papel de uno de mis actores favoritos, me parece perfecto, pues es verdaderamente una de sus mejores actuaciones. Si bien solo lo he visto en otras dos películas (In the name of the father; There will be blood), siento que esta es excelente y puede ser uno de los puntos muy altos de su carrera. Una retirada digna, si es que no vuelve a actuar.

6- Blade Runner 2049 (Dennis Villeneuve) (Estados Unidos)

 Blade Runner 2049 es un blockbuster que funciona como secuela de la original Blade Runner de Ridley Scott. En esta cinta se tiene como protagonista a un Replicante, en oposición a la anterior, habiendo ocupado estos el lugar antagónico. "K", el Replicante interpretado por Ryan Gosling, es un Blade Runner que busca el paradero de Deckard, quien protagonizó la anterior película.
  Ganadora de dos premios Oscar, de otros 84 premios, tuvo mucho protagonismo en el círculo comercial y un altísimo (ciento cincuenta millones de dólares) presupuesto. Podré ser exigente, prejuzgador, pero para mí, una película que cumple con dichos estándares de presupuesto y presencia en lo comercial, pertenece a la fórmula de una mala película. A pesar de eso, todo el año 2017 tuve expectativas por Blade Runner 2049. Fe ciega o instinto. Por suerte mis prejuicios estuvieron muy errados.


  
  Blade Runner 2049 tiene algo que no puede no destacarse, lo cual es la fotografía. Roger Deakins hace un trabajo que no puede pasar desapercibido. La película se esfuerza por verse bien, por ser visualmente hermosa y llamativa, y lo logra. Si tuviese que elegir, de todos modos, me quedaría con la fotografía de Columbus. Creo que fue la mejor del año pasado. De todos modos, cabe insistir, no le quita mérito a la de Blade Runner 2049. 
  La trama es bastante atrapante. Al menos a mí, pues eso es muy subjetivo, me mantuvo enganchado las casi tres horas de duración. Es una película larga y lenta, diría que es para ver despierto. No por su complejidad, solo que toma tiempo y dedicación aguantar las casi tres horas y el ritmo. Pese a la larga duración y la trama que se cuece a fuego lento, me mantuvo interesado en todo momento. 
  Tiene ciertos giros o plot twist que me sorprendieron pero, más que nada, me parecieron interesantes. En especial uno en específico sobre el protagonista, que le dio un toque peculiar y fresco al film, alejándola, sin con todo lo anterior no fue suficiente, aun más de lo convencional y lo que se espera en una película.
  Me parece una secuela digna, que incluso disfruté aun más que la original. Blade Runner, desde un punto de vista objetivo, me parece mejor película por la fuerte presencia del antagonista. La sombra de Roy, el Replicante antagónico de la primera entrega, es, creo yo, lo que más le pesa a Blade Runner 2049. La secuela carece de un Roy, el personaje de Jared Leto no logra dar un personaje similar (y no me refiero a que sea igual a Roy, con sus discursos sobre lágrimas en la lluvia, sino que ni siquiera tiene tanto tiempo en pantalla. No deja una huella ni en mí como espectador ni en la trama en sí porque apenas se lo ve en la larga duración de la película). 
  Sería lo único que tengo para criticarle. A muchos no les gustará Ryan Gosling; a mí me parece que es un buen actor. No diría lo mejor, pero en los papeles que realiza cumple bastante bien. Lo mismo para Harrison Ford y su personaje. Incluso Ana de Armas, que no es una actriz que me parezca muy buena, hace un más que buen papel en Blade Runner 2049.
  Sería, sin lugar a dudas, todo lo contrario de lo que esperaría de una película con un multimillonario presupuesto. Blade Runner 2049 no es que se quede a la sombra de su anterior entrega ni tampoco la deja a la sombra a la susodicha, siento que se mantienen muy parejas y son dos filmes casi igual de buenos. Mi preferencia se inclina por la nueva por meras cuestiones personales, de gusto y disfrute; pero, más allá de la subjetividad, ambas son excelentes.

 5- Columbus (Kogonada) (Estados Unidos)

 Columbus es un drama minimalista sobre un hombre, con ascendencia coreana, que se encuentra en la ciudad de Columbus porque su padre está en coma en un hospital de allí. Jin, el nombre del personaje, no puede volver a su ciudad hasta que mejore el estado del mismo. La otra protagonista es Casey, una chica que está cuidando a su madre en la misma ciudad. Ella también está atorada en Columbus por fuerza mayor, cosa que no le permite seguir su pasión por la arquitectura, sino que trabaja en una biblioteca.
  La película no ha tenido mayor publicidad ni estrenos en muchos cines. Tan solo en Brazil, Corea del Sur, España, Portugal, Reino Unido y su país de origen. Estuvo presente en decenas de festivales asegurándole casi diez premios.



  Columbus es un drama lento y minimalista. Las actuaciones son pocas, solo dos personajes principales y varios secundarios, pero la acción se desarrolla casi exclusivamente en la interacción entre Casey y Jin. A medida que estos conversan se desarrollan como personajes, hablando de sus pasados (tragedias), de sus presentes (el estar estancados en Columbus) y sus futuros (hipotéticos).
  Un tema que constantemente se trata durante la película es la arquitectura. Columbus es una película sobre y para la arquitectura, mostrando amplios planos de edificios y piezas arquitectónicas, además de filmar con detalle los interiores de los edificios y casas en donde transcurre la película. Hablando de la forma de filmar, la fotografía de la película es hermosa. Se caracteriza por la cámara quieta en un punto y la acción sucediendo con la cámara estacionaria.
  Es una película hecha por amor al arte, un drama bastante pequeño pero igualmente muy poderoso que, al menos a mí, me llegó mucho. Logré entablar relación con los dos protagonistas, algo muy subjetivo, pero que, desde un punto de vista personal, le suma mucho a la experiencia de ver el filme. La escena del shot es mi favorita. 

 4- La Cordillera (Santiago Mitre) (Argentina)

  La Cordillera es una película sobre un ficticio presidente argentino que asiste a una cumbre en el MerCoSur (Mercado Común del Sur) puesto a afrontar una decisión económica importante que podría comprometerlo de un lado o de otro, sea cual sea su decisión. Al mismo tiempo, van a haber una serie de conflictos personales que, además de presionar y estresar aun más a Hernán Blanco (presidente, interpretado por Ricardo Darín), pondrán en peligro tanto su integridad y perfil privado como público.
  El filme no recibió muy buenas críticas ni de los críticos ni del público general. De ambos lados los puntajes rozan el cinco o el seis sobre diez, siendo en Rotten Tomatoes el peor puntaje, teniendo un 29% por parte del público. La cantidad de críticas negativas podrían llevar a cualquiera pensar que esta es una película que, ciertamente, no vale la pena ver. Y en parte es verdad, no es una película que cualquiera pudiese disfrutar así porque sí.

  La Cordillera es una película complicada. Y no complicada en el sentido de que es difícil de entender, sino porque es difícil de engancharse. Por más que suele muy snob o elitista, no es una película para cualquiera porque no es algo convencional. En un principio parece un thriller político en donde hay traiciones, complots, planes, etcétera; pero en cierto punto la película toma un giro surrealista, casi místico, que trataré de no adelantar. Soy una persona que acepta sin problemas la mezcla de géneros, tengan o no que ver entre ellos. Y más aún, soy una persona que acepta y no tiene ningún problema conque nunca se termine de explicitar o de asegurar que verdaderamente pasó lo surreal/fantástico/místico. Me gusta cuando una película se maneja con sutilezas y dejar con la intriga al espectador, es algo que me parece muy llamativo. Podría relacionarla, en cuanto a forma, no contenido, sino forma, con Suspiria (primero parece que es un asesino lo que aterroriza la escuela de danza pero resulta ser otra cosa, ahí el cambio de género) o con Rosemary's Baby (no voy a explicar, ya se entiende qué es lo que pasa al final y qué es lo que se deja en duda sobre la película si ya fue vista). Insisto, en cuanto a forma, no contenido. La Cordillera no es una película de terror ni nunca hace un vuelco a otro género, sino que tiene tintes de otro tipo de historia a lo largo del filme que me parecieron muy buenos, llamativos y originales. Estoy seguro que esto fue parte de Mariano Llinás, el guionista junto a Mitre.
  La película es, en forma, un drama político de principio a fin. El final me parece muy bien logrado, aunque también podría no satisfacer a muchas personas. No voy a dar detalles del mismo ya que no hay forma de no mencionarlo sin spoilear. Las actuaciones de Ricardo Darín, Erica Rivas y, destaco bastante, Dolores Fonzi están más que excelentemente logradas.
  Hay algo que gira en torno a la película que es la falta de información. Es como si hubiesen fragmentos que no están, y el personaje de Ricardo Darín suele olvidar o no recordar cosas. No puedo no detallar sobre esto porque, si bien podría estar adelantando algo, me parece lo que mejor logra la película. Hay cosas que nunca se explican, pequeños detalles como manos vendadas, que suman a este olvido y falta de información. Incluso el mismo final parece sumar a dicha falta de información. Hay acontecimientos que personajes nombran, dicen haber vivido o visto, que el mismo personaje de Darín niega o no recuerda. Me pareció una propuesta de construcción de personaje y de guión muy peculiar e interesante.
  Es, sin lugar a dudas, una de las mejores películas argentinas que vi en mi vida. Tan solo siendo superada, objetivamente, por El Aura. La Cordillera es algo que no se suele hacer en Argentina, que es jugar con los géneros y experimentar un nuevo tipo de cine. Menos comercial, más independiente, más experimental. Y, aún así, con uno de los actores más reconocidos por el público general.

 3- Three Billboards Outside Ebbing, Missouri (Martin McDonagh) (Estados Unidos)

  Three Billboards Outside Ebbing, Missouri es una comedia-negra que trata sobre una mujer a la cual su hija es violada mientras es asesinada. La protagonista, performada por Frances McDormand, tras haber hecho e insistido con denuncias a la policía, pero sin que ellos hayan arrestado a ninguna persona, decide comprar tres carteles en la ruta y coloca las leyendas: RAPED WHILE DYING (violada mientras moría); AND STILL NO ARREST? (¿Y todavía no hay arrestos?); HOW COME, CHIEF WILLOUGHBY? (¿Cómo es eso, Jefe Willoughby?). La policía, y gran parte del pueblo, reaccionan de manera negativa ante tales mensajes pues están en la ruta más transitada que lleva al pueblo. La jefatura de policía, de todas formas, cabe destacar que tiene un personal racista, xenófobo y homofóbico; en especial por parte del personaje llamado Dixon, interpretado por el actor Sam Rockwell.
  La película obtuvo buena recepción tanto de la crítica como del público. Recibió dos premios Oscar por actuaciones, que, desde mi perspectiva, es lo que más se merece ya que es una película que se apoya en las actuaciones por sobre la dirección (si bien tiene muchos highlights) y la narrativa cinematográfica.

  
  Three Billboards Outside Ebbing, Missouri es una perfecta mezcla entre el humor y el drama. La comedia que maneja es negra, absurda, ácida y dura; son chistes raciales, xenófobos, homofóbicos; sobre mismos asesinatos y violaciones también. De todas formas, la comedia que maneja no es de gags ni situaciones estúpidas, sino que va acorde a la personalidad de cada personaje, manteniéndose siempre anclada a una historia que transcurre en el mundo real, con personajes actuando como personas reales y no como comediantes. Esto se reafirma cada vez que el humor frena y se da paso a algo serio. El ejemplo más claro es una escena, sin arruinarla, en donde se están confrontando la protagonista y el personaje que interpreta Woody Harrelson. Ambos, en la comisaría, se están insultando de manera que puede percibirse como graciosa por el espectador hasta que, inesperadamente, un elemento interrumpe la comedia, nos trae a tierra y los personajes reaccionan a dicha interrupción como personas, no se dedican a hacer de eso un gag cómico. Pienso que lo más logrado y lo que más me gustó de la película, y lo que me permitió disfrutarla mucho, fue esta perfecta combinación.
  Algo que no puede dejarse atrás son las mismas actuaciones y los arcos, no solo de los tres protagonistas, (Frances McDormand, Woody Harrelson, Sam Rockwell) sino de los personajes secundarios (interpretados por Lucas Hedges, Caleb Landry Jones, Abbie Cornish, Peter Dinklage). Todos son personas detestables que, de una u otra forma, terminamos de querer al final. Todos son carismáticos y, a la vez, no son del todo héroes los protagonistas de la misma. La película nunca se pone ni de un lado ni del otro (de la policía - madre de la chica asesinada y violada), pues este no es su fin. 
  El guion tiene ciertos detalles muy convenientes. Pueden molestar a algunos, por eso vale la pena decirlo, pues son detalles que parecen deus ex machina. Por mi parte, si es este un filme que cumple en todo lo demás, que el resto del guion es innovador/interesante/bien construido, que tiene buena fotografía/dirección/actuaciones, los sucesos convenientes para la trama no me molestan. Si es una película que falla y, encima, tiene conveniencias, solo suma a lo mala que es. No es el caso de Three Billboards Outside Ebbing, Missouri, a pesar de esos detalles, la siento una película muy sólida.
  Un último detalle, que puede sumar al anterior punto, es el final. La película no termina como uno espera que lo haga, tiene un final bastante chocante, que podría dejar al espectador con un mal sabor de boca o conque pudo haber sido de otra forma. Por mi parte, tengo debilidad por estos finales. Pensando en retrospectiva, es muy parecido al final de La Cordillera.
  Para terminar, se ha convertido en una de mis comedias-dramáticas favoritas, junto a una de las mejores interpretaciones que vi realizar a Sam Rockwell (de él solo he visto The Hitchhicker's Guide to the Galaxy y Moon; tengo pendiente el resto de su carrera actoral). 

 2- You were never really here (Lynne Ramsay) (Estados Unidos)

 You were never really here trata sobre Joe (Joaquin Phoenix), un veterano de guerra muy traumatizado que, fruto de la falta de miedo que tiene ante dar y recibir violencia, se encarga de desmantelar redes de prostitución de menores por su cuenta. Trabaja para una agencia en negro, siendo él el matón que va hacia los lugares donde se realiza la trata de blancas para rescatar a la chicas y detener a los proxenetas. El protagonista, además de realizar esta labor, está mentalmente muy dañado, tal como se ve en el shot de abajo.
  La película tuvo estrenos a finales del año 2017 y a lo largo de todo el año 2018 en todo el mundo. En más de la mitad de los países que se estrenó fue en 2018, pero siendo su primer estreno en noviembre del 2017 en Francia, la trato como una película de ese año. La crítica la recibió con notas altas, mientras que el público de forma moderada, entre el siete y el seis puntos de diez. 



 You were never really here es una película poco convencional. Es lenta y los diferentes planos que utiliza no son usuales. Por ejemplo, en las escenas que Joe irrumpe en los lugares de trata de blancas y comienza a asesinar a los guardias o a las personas que están ahí, la acción se filma de una manera distinta a lo común. La cámara se posiciona en planos picados de forma estacionaria, filmando por escasos segundos cada habitación por la que el protagonista pasa. No se ve la acción completa, se la ve interrumpida, cortada y, valga la redundancia, incompleta. Además, de corte en corte, a veces se toma el POV (point of view, punto de vista) de una cámara de seguridad, sin escucharse los golpes, gritos, movimientos y todo sonido proveniente de una lucha/forcejeo. Esos cortos planos son mudos, sin sonido. La extraña forma de presentar las escenas de acción suman al tono distante, oscuro y deprimente de la película.
  La actuación de Joaquin Phoenix es la mejor que he visto en el año. El personaje está construido de una excelente manera por parte de Lynne Ramsay, quien también hizo el guion de la película. Toda la primera parte de la película es una muestra de qué tan afectada está la mente de Joe por la guerra y cómo, en base a eso, lidia con su vida cotidiana viviendo con su mamá, ya muy anciana, y su trabajo. En cierto punto de la película una de las chicas, víctima de la trata de personas, interpretada por Ekaterina Samsonov, toma protagonismo. Su actuación, también afectada mentalmente, solo que de distinta manera (debido al constante abuso sexual recibido en la trata de blancas), es muy sólida y aporta bastante al desarrollo del filme; una vista aún más desde adentro de lo que es la trata de personas. 
  Se ha argumentado en algunos post en diferentes redes sociales que You were never really here es una copia de Taxi Driver. Aunque, en realidad, lo único que las ancla es el personaje con estrés post-traumático y la red de trata de personas y proxenetas que aparece en un punto de ambas películas. Solo que en Taxi Driver no es parte de la trama principal, sino que aparece mucho después en la película y, además, no es tan grande como sí lo es en You were never really here. En Taxi Driver es un simple proxeneta y unos matones. Además, el filme de Scorsese se centra más en cómo lidia el personaje traumatizado con la sociedad en sí (políticos, posibles parejas, amigos, etcétera) mientras que en You were never really here se desarrolla la personalidad en conjunto con su trabajo en desmantelar redes de trata. No tienen un mismo desarrollo, ni una misma cinematografía, ni mucho menos una misma música. Por ende, encuentro verdaderamente absurdo comparar esos dos filmes y, además, desmeritar el nuevo por ser copia del más viejo.
  El título de la película (You were never really here; en realidad, nunca estuviste acá) tiene un significado, aunque no esté muy explícito y cueste darle un sentido. Quizás hasta el sentido es un poco rebuscado, pero yo he podido dárselo. Toda la secuencia final remite al título, desde mi punto de vista, reforzando aún más el tema central de la película. 
  El siguiente apartado, en negrita, explica el título hablando del final de la película. Son spoilers, por lo tanto, si se quiere ver la película sin saber nada de ella, recomiendo adelantarse hasta el puesto número uno: 

  Toda la escena final de la película en el restaurante remite al título, you were never really here. En el momento en el cual Joe se suicida pegándose un tiro en medio del restaurante y nadie se da cuenta de que está ahí, porque ninguna persona reacciona y la moza le da la cuenta sin percatarse del charco de sangre. Al final, la escena fue imaginaria, él nunca se disparó, pues Joe, a pesar de estar tan afectado, nunca puede llegar a cometer suicidio. En el resto de la película no se mata porque tiene a la madre, pero, una vez que esta es asesinada, ahora tiene a la chica. Nunca está solo y siempre tiene una razón por la cual seguir viviendo, por lo tanto, no se suicida.
  Además, el título remite a la poca visibilidad que se da al tema de la trata de blancas. Es como si ellas nunca hubiesen estado aquí porque nadie se percata de la labor que hace Joe ni de las personas a las que salva constantemente con la organización a la que pertenece. Para el resto de las personas, para los peatones, para los ciudadanos, ninguna de esas chicas ni Joe estuvieron realmente, porque no saben ni de su existencia ni de lo afectados que están. La trata de personas está invisibilizada.
  Otra cuestión que suma a la invisibilidad de la misma es que incluso los políticos están metidos en ese crimen. Es un senador el que tiene que ver con la trata de blancas que Joe busca desmoronar y de la cual, luego de ser secuestrada, la chica se escapa. Nunca va a ser visible porque incluso los políticos tienen que ver con la misma. Es decir, se encargan de que la gente no sepa y crea que ellos no estuvieron aquí, en realidad.
  
  En síntesis, una excelente película del género de thriller que recomiendo ver a cualquiera que tenga un mínimo interés por el cine independiente y experimental. No es para todos pro eso mismo, no es algo convencional y común de ver, pero vale la pena dar una chance a lo nuevo, quizás termina resultando de su agrado.

 1- A Ghost Story (David Lowery) (Estados Unidos)

  A Ghost Story es una película romántica, dramática y fantástica que trata sobre un hombre (Casey Affleck) que muere en un accidente de tránsito. Él vive con su mujer (Rooney Mara) en una casa de la cual ella se quiere mudar pero él quiere permanecer viviendo ahí. Luego del accidente de tránsito, el protagonista, tapado por las sábanas en la morgue, se levanta y comienza a deambular. A partir de entonces él es testigo, sin que nadie lo pueda ver, de cómo pasa el tiempo en la vida de su mujer, y de su casa, sin él. 
  Debido a las denuncias que tuvo Casey Affleck por acoso sexual, la película no recibió mayor reconocimiento en festivales y premios. Pese a eso, ganó al rededor de once premios en diversos festivales. La película recibió críticas moderadas de la mano del público, al rededor del seis, mientras que por parte de la crítica recibió puntajes entre el ocho cincuenta y el nueve. Cabe destacar que, si en anteriores puestos dije que no eran películas para cualquier espectador, esta es la que más se rige por esa frase.



  A Ghost Story es una de las películas más pesadas de ver que, valga la redundancia, vi en mi vida. Me refiero a lo lenta que es cuando hablo de pesada, y no solo eso, sino la falta de diálogo e interacciones entre personajes. Son detalles que suman en hacerla más pesada, más lenta y menos convencional. El personaje de Casey Affleck habla contadas veces durante el filme, y no lo hace nunca bajo las sábanas del fantasma. El ritmo de la película puede presentar un inconveniente, pues la hace parecer más extensa de lo que verdaderamente es, además de las largas secuencias de contemplación que tiene el fantasma, sin diálogos ni interacciones. 
  Las actuaciones son algo especial. Pues, además de Casey Affleck, no hay un elenco estable. Quizás Rooney Mara sea quien más comparte tiempo en pantalla, pero, además de ella, el elenco cambia constantemente conforme pasan los años y nunca es estable. No podría definir un veredicto en concreto acerca de la actuación de Casey Affleck porque él tan solo camina bajo la sábana, contemplando el paso del tiempo y rara vez (moviendo objetos) interactuando con el entorno. 
  Volviendo con el ritmo, tiene escenas que podrían espantar a más de uno. Sin ánimos de spoilear ni dar mucho detalle, hay una escena de Rooney Mara comiendo, sola, en el suelo, por más de tres, y creo que hasta cinco, minutos. Tan solo es ella, con cámara estacionaria enfocándola, comiendo, escuchándose nada más que el mismo silencio y a ella masticar. 
  Un punto negativo que le doy al filme es que, en cierto punto, se torna muy expositora. Todo lo que no te cuenta en los constantes silencios y escenas lentas, lo resume en una escena de un personaje teniendo un monólogo a cámara. Es la escena que menos me gustó, pues parece una mera síntesis de todo lo que viste y estás por ver. Pero, a su vez, al ser todo lo demás algo muy bueno desde mi punto de vista, al ser una película casi perfecta, esa simple escena no me arruinó toda la experiencia. Al final, si bien no me convenció, tampoco me parece una escena horrible ni arruina todo el filme. Quizá deje un mal sabor de boca por momentos, pero nada que el resto de la película no arregle, pues no vuelve a pasar en lo que resta (aproximadamente media hora o más) del film.
  A pesar de parecer una película aburrida e inaguantable, a mí me mantuvo pendiente toda su duración. A Ghost Story es una de las películas que más me llegaron en la vida, entablé mucha relación con el personaje de Casey Affleck, a pesar de ser este casi un espectador de lo sucedido como yo de la película. Todo a lo que la película remite (el paso del tiempo; el soltar y aceptar el final de un periodo; el comienzo y final del amor y de cualquier otra cosa que puede llegar a su fin) me pareció ejecutado de una manera excelente. El tiempo es algo muy importante para la película, pues en lo que para el fantasma es un parpadeo, pudieron haber pasado más de diez o veinte años. Y así transcurre la película, sin una continuidad temporal, sino que de golpe hay constantes saltos hacia adelante, constantemente hacia adelante. Hasta un punto. Y de nuevo hacia adelante.
  Para cerrar, creo yo que el final es perfecto y, de nuevo, remite a finales como el de La Cordillera o Three Billboards Outside Ebbing, Missouri. A muchos les parecerá anticlimático o dará el sentimiento de que falta algo. Para mí, en la sutileza y en la ausencia se encuentra el todo, pues deja al espectador unir los cabos por uno mismo, inventar los faltantes y tener una experiencia única del filme distinta a cualquier otra. Hay dos escenas que me encantan, desde un punto de vista emocional. Una es la de la demolición, en donde otro personaje se da cuenta de algo y sucede lo que sucede. La segunda es el final, en donde el protagonista por fin obtiene lo que estuvo buscando a lo largo de toda la película. Pero de una manera distinta, más sutil.

   A Ghost Story se ha convertido en una de mis diez películas favoritas de todos los tiempos. You were never really here en una de mis veinte películas favoritas. Three Billboards Outside Ebbing, Missouri, La Cordillera y Blade Runner 2049 en parte de mis cuarenta películas favoritas. Columbus en parte de mis cincuenta películas favoritas. Siento que fue un excelente año para el cine, pues me ha dejado muchísimas películas que considero de mis favoritas de todos los tiempos. No he visto todo lo que el 2017 estrenó, pues es imposible. Con los años continuaré viendo y es muy probable que esta lista se continúe alterando, pero lo que no va a dejar de ser es un excelente año, pues el cine, a pesar de ser bastardeado por los conceptos de Industria/Bienes Cultural(es), continúa firme como un arte dentro del under y el círculo independiente. El cine sigue siendo un arte, mi arte favorito. Y es así como inauguro este blog, sean bienvenidos.